суббота, 21 декабря 2013 г.

Микеланджело. Сикстинская капелла

ПОТОЛОК СИКСТИНСКОЙ КАПЕЛЛЫ
Это великое живописное творение Микеланджело — плод его непрерывной четырёхлетней работы с мая 1508 г. Мастер совершил поистине подвиг. Он расписал плафон общей площадью около шестисот квадратных метров. На изображении насчитывается примерно триста фигур. Микеланджело работал без помощников, в очень трудных условиях: при плохом освещении, лёжа на спине на специально изготовленном помосте. Его беспокоил желавший всё увидеть Юлий II. Однажды, как утверждает легенда, художник сбросил с помоста доски на разгневанного папу.
Роспись Сикстинской капеллы грандиозна не только из-за своих размеров. Она захватывает тита-ническим характером образов, неистовых страстей, величием деяний. На ней предстаёт вся история человечества начиная от первых дней Творения. Это торжественный гимн творческой мощи и красоте свободного человека.
При помощи архитектурных форм, воспроизведённых средствами живописи, потолок разделён на части. Каждая представляет собой самостоятельное изображение, однако роспись в целом обладает поразительным единством.

Композиции, занимающие девять полей средней части, изображают сцены библейских легенд — от сотворения Вселенной до Всемирного потопа. По углам каждой композиции помешены фигуры юношей-атлетов — прекрасных, полных безудержной радости жизни, они поддерживают медальоны и тяжёлые гирлянды из дубовых листьев.

 В изображении первых дней Творения исполинская мощь образов достигает апогея. В росписи «Отделение света от тьмы» гигантская фигура Бога-Созидателя в вихре облаков побеждает первозданный хаос. В «Сотворении светил» летящий в космическом пространстве Бог Саваоф предстаёт дважды, и это усиливает впечатление стремительности и размаха его полёта. Жестом широко раскрытых рук могучий старец творит светила. Адам — олицетворение молодости, телесной красоты и ещё скрытого в нём богатства сил — пробуждается к жизни от прикосновения руки летящего Саваофа, вселяющего в первочеловека энергию, силу и волю. В «Грехопадении и изгнании из рая» гордая и величественная, как богиня, Ева бросает вызов судьбе, смело принимая от змея-искусителя запретный плод. На той же фреске изображено, как ангел с мечом в руке изгоняет прародителей из рая. Если фрески потолка ликующе торжественны, то настроением печали и нарастающей тревоги овеяны росписи в промежутках между окнами, условно называемые «Предки Христа». Героические деяния уступают место жизни человека, полной горестей и невзгод.

понедельник, 16 декабря 2013 г.

«Месяцы» Питера Брейгеля Старшего

«МЕСЯЦЫ» ПИТЕРА БРЕЙГЕЛЯ СТАРШЕГО
Работе над этой серией пейзажей, изображающей полный годовой цикл изменений природы, Брейгель посвятил весь 1 565 год.
«Месяцы» были созданы по заказу антверпенского финансиста Николаса Ионгелинка, видного коллекционера произведений искусства, в собрание которого уже входили полотна Брейгеля «Вавилонская башня» и «Несение креста». К своей коллекции Ионгелинк относился сугубо практически — как к удобному средству вложения денег (что, впрочем, было вполне обычным делом в среде нидерландских собирателей картин). Когда художник ещё только начинал работу над «Месяцами», заказчик уже распорядился их судьбой: 22 февраля 1565 г. Ионгелинк передал всю свою коллекцию антверпенской городской казне в обеспечение крупного денежного займа, взятого им
у города. Ионгелинк так и не выкупил свой залог, и лучшие картины Брейгеля оказались запертыми в городском казнохранилище на долгие десятилетия.
Вот уже много лет «Месяцы» Брейгеля вызывают бурные дебаты исследователей. Спорят, например, о том, сколько картин первоначально входило в серию: одни предполагают, что их было двенадцать и каждая изображала определённый месяц; другие доказывают, будто их всего четыре и посвящены они временам года, так что из цикла исключается то «Сенокос», то «Жатва». Наиболее правдоподобна версия, что Брейгель написал шесть картин, посвятив каждую двум месяцам сразу. Открывается цикл картиной «Охотники на снегу» (декабрь — январь). 

Вторая получила название «Хмурый день» (февраль — март).

 Третья (впоследствии утраченная) картина — это апрель и май. Затем следуют «Сенокос» (июнь — июль), «Жатва» (август — сентябрь) и «Возвращение стада» (октябрь— ноябрь).



Несомненно, идея «Месяцев» навеяна календарными миниатюрами часословов XIV—XV вв. Однако в картинах Брейгеля господствует совсем иное настроение, чем в миниатюрах. Сцены сельских работ, служившие в Средние века своеобразными символами соответствующих месяцев (например, фигурка косца обозначала июнь, жнеца — август), занимают в его картинах хотя и важное, но отнюдь не главное положение. Каждое время года — это неповторимое состояние земли и неба. Так, в картине «Охотники на снегу» зима под кистью художника предстаёт равниной, сияющей сплошной белизной нетронутого снега, открывающейся зрителю внезапно и с высоты, словно в полёте; зеленовато-серое небо невольно хочется назвать небесным сводом: так оно холодно и спокойно. В «Жатве» прямо перед зрителем расстилается пшеничное поле с его тяжёлой янтарной желтизной; небо над ним — сиренево-белое, словно отдавшее земле всё своё живительное тепло.
В «Месяцах» художник начинает выводить на первый план укрупнённые фигуры людей. Это крестьяне, занятия которых естественно подчинены смене времён года. Таким образом, человек выступает как органическая часть природы. Все пейзажи не только величавы, но и по-своему уютны. Даже в заснеженной равнине есть что-то домашнее, ибо повсюду видны следы близости людей — трактир, запруда, колокольня. Такова приветливая земля Нидерландов, жители которых лучше других народов обживали природу, не нанося ей вреда. Питер Брейгель умеет показывать зрителю самые простые вещи как чудо. Картинам «Месяцев» созвучны слова философа и писателя Эразма Роттердамского (1469—1536): «Бог способен явить любые чудеса — в нарушение законов природы, но ежедневно творит чудеса намного большие... Эти чудеса в естественном ходе вещей, т. е. в самих законах природы, которые нам привычны, и поэтому мы не замечаем их чудесности».

Анри Матисс

АНРИ МАТИСС
(1869—1954)
Анри Матисс родился в городке Като-Камбрези на севере Франции. Его отец, торговец зерном и владелец лавки, мечтал видеть сына адвокатом. В 1888 г. Матисс благополучно выдержал экзамен на факультете права в Париже и, вернувшись на родину, поступил в адвокатскую контору. Но вскоре он увлёкся живописью. Успехи на курсах рисования и поддержка учителей сломили упорство отца: Матисс получил родительское благословение на отъезд в Париж для занятий искусством. В 1892 г. художник посещал вечерние курсы Школы декоративного искусства, где подружился с Альбером Марке, а затем поступил в мастерскую Гюстава Моро в Школе изящных искусств. Мастер настаивал, чтобы его ученики чаще бывали в Лувре, и Матисс оттачивал своё искусство, копируя работы старых мастеров. Но тот же Моро внушал ученикам: «Не замыкайтесь в музее, выходите на улицу». Уличные зарисовки Матисса, сделанные быстро и точно, воспитали в нём умение упрощать линию. Изысканной простоте учили его и японские гравюры, ставшие в то время очень популярными в Европе.
В первые годы XX в. Матисс познакомился и сблизился с Дереном, Руо, Вламинком и другими художниками, составившими впоследствии группу фовистов. В 1903 г. он принял участие в первом Осеннем салоне — ежегодном смотре нового искусства. В 1904 г. состоялась его первая персональная выставка, не принёсшая, впрочем, успеха.

четверг, 5 декабря 2013 г.

Рельеф

БАРЕЛЬЕФ (франц. bas-relief, букв. - низкий рельеф), вид рельефной скульптуры, в котором выпуклая часть изображения выступает над плоскостью фона не более чем на половину своего объёма. Барельеф (изобразительный и орнаментальный) - распространённый вид украшения архитектурных сооружений и произведений декоративного искусства; барельефами часто украшаются также постаменты памятников, стелы, мемориальные доски, монеты, медали, геммы.



ГОРЕЛЬЕФ (франц. haut-relief, от haut - высокий и relief - рельеф, выпуклость), вид скульптуры, высокий рельеф, в котором изображение выступает над плоскостью фона более чем на половину своего объёма. Горельефы часто использовались в архитектуре.


РЕЛЬЕФ (франц. relief, от лат. relevo - поднимаю), скульптурное изображение на плоскости. Неразрывная связь с плоскостью, являющейся физической основой и фоном изображения, составляет специфическую особенность рельефа как вида скульптуры. Важнейшие выразительные средства, присущие рельефу, - развёртывание композиции на плоскости, возможность перспективного построения пространственных планов и создания пространственных иллюзий - позволяют воспроизводить в рельефе сложные многофигурные сцены, а также архитектурные и пейзажные мотивы (составляющие характерную особенность многопланового, так называемого живописного, рельефа). Рельеф может включаться в композицию стены, свода, других частей архитектурного или скульптурного произведения, но может выступать и как самостоятельное станковое произведение.
     По отношению изображения к плоскости фона различают углублённый и выпуклый рельеф. Углубленный рельеф (иначе койланоглиф, или рельеф "en creux" - анкрё, то есть вырезанный на плоскости контур) получил распространение главным образом в архитектуре Древнего Египта, а также в древневосточной и античной глиптике (см. Инталия). Разновидностью углубленного рельефа является так называемый контррельеф, также использовавшийся при изготовлении инталий; строго негативный по отношению к выпуклому рельефу, он рассчитан на пластический отпечаток в виде миниатюрного барельефа. Выпуклый рельеф, подразделяющийся, в свою очередь, на низкий - барельеф и высокий - горельеф, значительно более распространён: он известен уже в эпоху палеолита, позднее в Древнем Египте, Ассирии, Индии, Китае и получил особенное развитие в античном искусстве (рельеф на фронтонах, метопах и фризах древнегреческих храмов, на древнеримских триумфальных арках и колоннах и т. д.), в эпоху Возрождения и в скульптуре последующего времени.


[ Популярная художественная энциклопедия, S. 4759]

воскресенье, 1 декабря 2013 г.

Модерн

"МОДЕРН", стиль "модерн" (франц. moderne - новейший, современный), стиль в европейском и американском искусстве конца XIX - начала XX вв. В различных странах приняты иные названия стиля "модерн": "ар нуво" (Art Nouveau) во Франции, Бельгии, "югендстиль" (Jugendstil) в Германии, "сецессион" (Sezession) в Австрии, "либерти" (Liberty) в Италии и др.

 "Модерн" сложился в условиях бурно развивающегося индустриального общества, роста национального самосознания различных европейских народов, обострения противоречий капитализма.  Утверждая единство стилеобразующих принципов всего окружения человека - от архитектуры жилища до деталей костюма, ведущую роль представители "модерна" (несмотря на программный отказ от иерархии видов и жанров искусства) отдавали архитектуре как основе искомого ими синтеза искусств. Наиболее ярко "модерн" выразился в архитектуре частных домов - особняков, в строительстве деловых, промышленных и торговых зданий, вокзалов, доходных домов. Принципиально новым в архитектуре "модерн" был отказ от ордерной или эклектически заимствованной из других стилей системы украшения фасада и интерьера. 

Фасады зданий "модерна" обладают в большинстве случаев динамичностью и текучестью форм, порой приближающихся к скульптурным или напоминающих органичные природные явления (постройки А. Гауди в Испании, В. Орта и ван де Велде в Бельгии, Ф. О. Шехтеля в России); иногда они скупо и геометрически чётко выявляют составляющие здание объемы (постройки И. Хофмана, И. М. Ольбриха в Австрии, Ч. Р. Макинтоша в Шотландии, зрелые работы Шехтеля). Некоторые архитекторы "модерна" предвосхищали функционализм, стремясь выявить каркасную структуру здания, подчеркнуть тектонику масс и объёмов (ряд построек О. Вагнера и Хофмана в Австрии, П. Беренса в Германии, О. Перре во Франции).

  Одним из основных выразительных средств в искусстве "модерна" был орнамент характерных криволинейных очертаний, часто пронизанный экспрессивным ритмом и подчинявший себе композиционную структуру произведения. Орнаментальное начало объединяет все виды искусства "модерна". В интерьерах изящные линейные плетения, подвижные растительные узоры рассыпаны по стенам, полу, потолку, концентрируются в местах их сопряжения, объединяют архитектурные плоскости, активизируют пространство. Линии декора несут духовно-эмоциональный и символический смысл, сочетая изобразительное с отвлечённым, живое с неживым, одухотворённое с вещным. 

Произведения живописи и скульптуры теряют свой самостоятельный характер, включаясь в общий ансамбль интерьера "модерна". В живописи преобладающее значение получают панно, в скульптуре - рельефы. Для живописи "модерна" характерно сочетание декоративной условности орнаментальных ковровых фонов и натуралистичной осязательности отдельных деталей или фигур, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей, тонко нюансированной монохромии. 

Особенно широкое распространение получил "модерн" в декоративно-прикладном искусстве, которому присущи те же черты, что и архитектуре и скульптуре, в том числе уподобление предметов и их отдельных деталей органическим формам (керамические и железные изделия Гауди; металлические ограды метро Э. Гимара, стеклянные изделия Э. Галле, украшения Р. Лалика во Франции; стеклянные сосуды Л. К. Тиффани в США, мебель ван де Велде). Тяготение к конструктивности, чистоте линий, лаконизму форм проявилось в мебели Макинтоша, Хофмана, И. А. Фомина. Развитие декоративного искусства "модерна" на раннем этапе отчасти было связано с попыткой возрождения художественно-ремесленных мастерских, которые утопически противо- поставлялись капиталистической индустрии (прообраз их - мастерские Морриса, 1861, и "Выставочное общество искусств и ремёсел", 1888, в Великобритании; "Объединённые художественно-ремесленные мастерские", 1897, и "Немецкие мастерские художественных ремёсел", 1899, в Германии; мастерские в Абрамцеве, 1882, и Талашкине, около 1900, в России).

     Большое развитие в "модерне" получила графика, ведущими представителями которой были англичанин О. Бёрдсли, немцы Т. Т. Хейне, Г. Фогелер, швейцарец Ф. Валлоттон, голландец Я. Тороп, норвежец Мунк; в России А. Н. Бенуа, К. А. Сомов; мастера афиши французы А. де Тулуз-Лотрек, Э. Грассе, чех А. Муха, австриец К. Мозер. Графика "модерна" была тесно связана с расцветом книжного дела и распространением художественных журналов, пропагандировавших идеи "модерна" ("Revue blanche", основан в 1891, Париж; "The Studio", основан в 1893, Лондон; "The Yellow Book", основан в 1894, Лондон; "Jugend", основан в 1896, Мюнхен; "Ver sacrum", основан в 1898, Вена; "Мир искусства").

[Популярная художественная энциклопедия, S. 3594]

Воспользуйтесь поиском по блогу, чтобы найти другие статьи по этой теме!

воскресенье, 24 ноября 2013 г.

Абстрактный экспрессионизм

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ, разновидность абстрактного искусства. Возник под влиянием сюрреализма с его идеей «автоматического письма». Ярче всего проявился в живописи — в свободных композициях, создаваемых крупным, импульсивным мазком, иногда — в технике «живописи действия» (англ. action painting), когда сам акт писания картины превращался в своеобразный перформанс. Наиболее известен американский вариант абстрактного экспрессионизма, сложившийся в 1940-е гг. (А. Горки, В. де Кунинг, Р. Мозервелл, Дж. Поллок). Европейские аналоги абстрактного экспрессионизма часто обозначают понятием ташизма.

Джексон Поллок
 


пятница, 15 ноября 2013 г.

Готика

ГОТИКА (от итал. gotico, букв. - готский, от названия германских племени готов), готический стиль, художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы (между серединой XII и XV-XVI вв.). Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося "варварским". С начала XIX в., когда для искусства X-XII вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь.


воскресенье, 10 ноября 2013 г.

Карло Карра

Карло Карра́ (1881 —  1966) — итальянский художник и график, представитель школ футуризма и метафизической живописи.

Карра изучал живопись на вечерних курсах в Академии Брера в Милане и вначале работал как художник по декорациям. В 1899—1900 годах, во время Всемирной выставки, молодой художник приезжает в Париж и знакомится там с современной французской живописью.

 В 1909 году он знакомится с футуристами, и год позже, совместно с Руссоло, Балла, Северини и Боччони. Осенью 1911 года Карло Карра вторично приезжает в Париж, встречается там с Пикассо, Браком, Леже, Аполлинером и другими французскими художниками, редставителями авангарда. Здесь, как и молодые французы, подпадает под влияние живописи Сезанна и пишет картины в стиле кубизма.

пятница, 8 ноября 2013 г.

Объём

Объем — это величина части пространства, занимаемого геометрическим телом.
В повседневной жизни нам часто приходится определять объемы различных тел. Например, объемы коробок, банок. Раньше, в житейской практике единицами объема служили меры емкости, используемые для хранения сыпучих и жидких тел. Среди них английские меры:
Бушель — 36,4 дм3.
Галлон — 4,5 дм3.
Баррель (сухой) — 115,628 дм3.
Баррель (нефтяной) — 158,988 дм3.
Английский баррель для сыпучих веществ — 163,65 дм3.


Меры, когда-то применявшиеся в России:
Ведро — 12 дм3.
Бочка — 490 дм3.
Штоф — 1,23 дм3 = 10 чарок.
Чарка — 0,123 дм3 = 0,1 штофа = 2 шкалика.
Шкалик — 0,06 дм3 = 0,5 чарки.


Поиск формул, позволяющих вычислять объемы различных тел, был долог.
В древнеегипетских папирусах, в вавилонских клинописных табличках встречаются правила для нахождения объема усеченной пирамиды, но не сообщаются правила для вычисления объема полной пирамиды.
Определять объемы призмы, пирамиды, цилиндра и конуса древние греки умели еще задолго до Архимеда. Но только он нашел общий метод, позволяющий определить любую площадь или объем.
Идеи Архимеда легли в основу интегрального исчисления. Сам ученый определил с помощью своего метода площади объемы почти всех тел, которые рассматривались в античной математике.

На могильной плите Архимеда, как завещал ученый, был изображен цилиндр с вписанным в него шаром, а эпитафия говорила о величайшем открытии Архимеда — о том, что объемы этих тел относятся как 3:2

воскресенье, 3 ноября 2013 г.

Сальвадор Дали

САЛЬВАДОР ДАЛИ 
(1904—1989)
Трудно назвать другого художника, о котором слагалось бы такое количество мифов, как о Дали. Пожалуй, сам он считал существование на публике ещё одной гранью творчества и потому постоянно провоцировал скандальный интерес к своей особе. 
Сальвадор Фелипе Хасинто Дали родился в городе Фигерас, на северо-востоке Испании, в семье нотариуса. Он рано начал рисовать и мечтал иметь собственную мастерскую. В его распоряжение отдали бывшую прачечную на чердаке. И действительно, на протяжении всей жизни он черпал образы в ярких воспоминаниях детства. Так, почти лишённый растительности пейзаж Кадакеса —стал фоном многих живописных произведений (зрителям этот ландшафт казался фантастическим).
Уже в 1918 г. Дали представил две работы на выставке художников в Фигерасе. Он страстно увлекался импрессионизмом, затем кубизмом, футуризмом, лихорадочно выхватывая сведения о новостях в искусстве из парижских журналов. Но при этом в отличие от многих представителей авангарда всегда почитал классиков и не стремился никого ниспровергать.
Поступив в 1922 г. в мадридскую Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо, Дали сблизился с поэтом Федерико Гарсия Лоркой и Луисом Буньюэлем — в будущем знаменитым кинорежиссёром. Эта юношеская дружба трёх выдающихся художников Испании значительно повлияла на их творчество.
Из академии Дали был исключён в 1926 г. за дерзкое поведение. Но к тому времени уже состоялась его первая персональная выставка в Барселоне, короткая поездка в Париж, знакомство с Пикассо. Имя и работы Дали привлекли к себе пристальное внимание в художественных кругах.


пятница, 1 ноября 2013 г.

Собор святого Павла



В современном Лондоне на фоне многочисленных зданий, возведённых уже в XX столетии, выделяется гигантский купол собора Святого Павла, построенного в 1675— 1710 гг. по проекту Кристофера Рена. Он вырос на руинах средневекового собора, сгоревшего в страшном пожаре 1666 г.

пятница, 25 октября 2013 г.

Екатерининский дворец. Город Пушкин (Царское село. Детское село)

Екатери́нинский дворе́ц — бывший императорский дворец; один из крупнейших в окрестностях Санкт-Петербурга. Расположен в современном городе Пушкине, в Пушкинском районе города федерального значения Санкт-Петербурга.
http://www.tzar.ru/

Мои фото

понедельник, 14 октября 2013 г.

Государственный музей искусств Грузии

Музей искусств Грузии (официально известный как Музей изобразительных искусств им. Шалва Амиранашвили) — является одним из наиболее важных музеев в Грузии. Он расположен вблизи Площади Свободы в Тбилиси, и содержит около 140000 единиц хранения произведений грузинского, восточного, русского, и европейского искусства.

Предшественница современного музея Музея искусств — Национальная художественная галерея, была создана благодаря усилиям образованных молодых грузинских художников в Тбилиси 1 февраля 1920 года. Из этого проекта вырос Центральный музей изобразительных искусств, который был открыт в августе 1923 года. 
Видный грузинский искусствовед Шалва Амиранашвили был руководителем музея в течение более тридцати лет и сыграл важную роль в формировании коллекции.
Музей стал официально называться Музей искусств Грузии в 1950 году, тогда же он переехал в здание, которое занимает по сей день. 
Наиболее важной и большой частью музейной коллекции, является собрание грузинского искусства, иллюстрирующие развитие национальной художественной культуры на протяжении многих веков с древних времён и до наших дней. 





воскресенье, 6 октября 2013 г.

Греко-латинский квадрат

Если два латинских ортогональных квадрата  объединить воедино, наложить друг на друга, получится не менее известный греко-латинский квадрат. В отличие от собственно латинского квадрата греко-латинский представляет собой таблицу с равным количеством столбцов и строк, каждая ячейка которой включает в себя два числа, причем право называться греко-латинским квадрат может «заслужить» лишь при соблюдении двух обязательных условий: в паре цифр каждых строки и столбца каждая цифра непременно должна один раз занимать первое место, и один раз — второе; каждая цифра образует пару с другой цифрой, в т.ч. с самой собой, лишь единожды.

Название «латинский квадрат»  было получено от выдающегося математика Леонарда Эйлера, который, посвятив много времени изучению алгоритмов создания магических квадратов, заменил цифры в квадрате латинскими или греческими буквами. Именно Эйлер выяснил и научно обосновал тот факт, что греко-латинского квадрата второго порядка не существует. Кроме того, Эйлер предположил, что также не существует квадрата порядка 6, 10, 14, 18 и т.д., другими словами, не может быть построен греко-латинский квадрат в виде таблицы с четным и не делящимся на 4 числом столбцов и строк. Эта догадка, правда, лишь для числа 6, нашла подтверждение в начале XX века в работах математика Гастона Терри, однако через 60 лет была опровергнута группой ученых, которым все-таки удалось построить греко-латинский квадрат десятого, а затем и 14, 18 и пр. порядков. Что касается квадрата шестого порядка, подтверждения существования которого не существует до сих пор, то все, обладающие пытливым умом, могут попробовать построить его самостоятельно, решив следующую задачу Леонарда Эйлера: «Как разместить 36 офицеров шести различных званий из шести полков таким образом, чтобы в каждой колонне и шеренге находились офицеры разных званий и из разных полков?». Кроме того, для тренировки мозговой деятельности, можно решить греко-латинскую карточную головоломку, в которой необходимо разместить 16 карт высшего достоинства разных мастей таким образом, чтобы каждый ряд и столбец содержал по одной карте каждых достоинства и масти. 

суббота, 5 октября 2013 г.

Латинский квадрат

Широкую славу и известность среди прочих математических «головоломок» приобрел знаменитый латинский квадрат, который представляет собой табличку с равным количеством столбцов и строк, каждая ячейка которой включает в себя определенный символ (цифру, букву, изображение и пр.). Особенность латинского квадрата заключается в том, что в каждой строке и в каждом столбце по одному разу обязательно используются все символы.

Название «латинский квадрат» этой «головоломке» было дано выдающимся математиком Леонардом Эйлером, который, посвятив много времени изучению алгоритмов создания магических квадратов, заменил цифры в таблице латинскими или греческими буквами.

Объединенные в пары, все латинские квадраты, по определению, являются ортогональными (от греческого слова orthogonios, что в переводе означает прямоугольный или образующий прямой угол) — символы в ячейках первого латинского квадрата и символы в тех же ячейках второго латинского квадрата различны — и могут быть построены для всех порядков, за исключением 2 и 6. При объединении элементов двух ортогональных квадратов получается новое «образование» — греко-латинский квадрат (читайте о нем в соответствующей главе этого раздела), являющийся «фундаментом» для магических квадратов. В свою очередь, ортогональные квадраты называются еще и диагональными, если речь идет о различии символов в каждой диагонали. Диагональные ортогональные латинские квадраты существуют для всех порядков, за исключением 2, 3 и 6.

В качестве одного из самых ярких примеров латинского квадрата можно привести популярную японскую головоломку «судоку», название которой переводится, как «цифра, стоящая отдельно». Это квадрат с девятью строками и девятью столбцами, включающий в себя шесть более мелких квадратиков (3 столбца и три строки), некоторые клетки которого уже заполнены числами. Задачей игрока является заполнить оставшиеся ячейки цифрами таким образом, чтобы в каждой строке, каждом столбце и каждом мини-квадратике цифра от 1 до 9 была использована лишь единожды.

вторник, 1 октября 2013 г.

Музей Фердинандеум

Тирольский музей Фердинандеум – австрийский краеведческий музей, расположенный в Инсбруке. Музей был основан в 1823 году графом Карлом Хотком и стал третьим старейшим национальным музеем Австро-Венгрии. Фасад музея был выполнен в стиле флорентийского ренессанса.
Помимо основных экспонатов краеведения, в музее стали появляться произведения искусства, которые дарили коллекционеры со всей страны. Известно, что музей получил наследство в 111 картин нидерландских мастеров от Йозефа Чадера в 1856 году. Через 31 год коллекция пополнилась картинами фламандских художников, которые были подарены Людвигом фон Визером. Одним из крупнейших пожертвований стал подарок Бернхарда Хефеля, который завещал Фердинандеуму более ста картин в 1943 году.
Со временем коллекция музея пополнялась ценными экспонатами, и на сегодняшний день экспозиция охватывает период от раннего средневековья и барокко 19 века до наших дней. Особенно гордится музей своей изысканной голландской коллекцией, которая включает Рембрандта, Брейгеля, Якоба Штайнера и других. В Фердинандеуме постоянно проводятся выставки, концерты и тематические встречи.
В 2007 года Тирольский музей Фердинандеум стал неотъемлемой частью Тирольского Государственного музея, куда входят Музей народного искусства, Императорский военный музей, Панорама Тироля, Арсенал. Компания находится под управлением Вольфганга Мейгхорнера, который является также куратором Фердинандеума.


Источник: http://www.votpusk.ru/country/dostoprim_info.asp?ID=7760#ixzz2dhxTP1Ip

пятница, 27 сентября 2013 г.

Казанский собор. А. Воронихин

202 года со дня освящения

Андрей Никифорович Воронихин (1759—1814)  был крепостным графа Александра Сергеевича Строганова — президента Академии художеств, известного мецената (покровителя искусств), коллекционера и богатейшего человека своего времени. Воронихин родился в уральском селе. Он рано проявил художественные способности, и его отправили в Москву, а затем в Петербург: граф приставил его к своему сыну Павлу в качестве слуги и компаньона. Будущий архитектор получил образование, традиционное для дворянских детей, а в 1786 г. — вольную. Вместе с Павлом Строгановым он совершил путешествие по Германии, Швейцарии, некоторое время жил во Франции, где изучал архитектуру. Вернувшись в Россию, Воронихин работал в доме своего бывшего хозяина, теперь ставшего покровителем.
В 1799 г. по указу Павла I был проведён конкурс на проект нового храма на Невском проспекте в Петербурге вместо старой церкви Рождества Богородицы, построенной в 30-е гг. XV1I1 в. Императору хотелось видеть здесь храм, напоминающий римский собор Святого Петра. Столь большое внимание к этой церкви было связано с тем, что в ней хранилась особо почитаемая Казанская икона Божьей Матери. В конкурсе приняло участие немало видных русских и иностранных архитекторов, но Павел I отдал предпочтение работе Воронихина, которого поддерживал граф Строганов.


вторник, 10 сентября 2013 г.

церковь Покрова на Нерли

От остатков Боголюбовского дворца открывается вид на постройку, ставшую символом древнерусской архитектуры, — знаменитую церковь Покрова на Нерли (1165 г.). Андрей Боголюбский велел поставить её в том месте, где река Нерль впадает в Клязьму, в память о сыне, юном Изяславе, павшем в бою с волжскими булгарами.


Церковь невелика и удивительно гармонична. Полуцилиндры апсид (выступов алтарной части храма), такие грузные, так сильно выступающие в постройках Юрия Долгорукого, здесь словно утоплены в тело храма, и восточная (алтарная) часть не перевешивает западную. Фасады разделяются многослойными четырёхуступчатыми лопатками с приставленными к ним полуколонками; острые углы лопаток и стволы полуколонн образуют пучки вертикальных линий, неудержимо стремящихся ввысь. Вертикальное устремление постепенно и незаметно переходит в полукруглые очертания закомар. Полукружиям закомар вторят завершения изящно вытянутых окон, порталов, арочек колончатого пояска (кстати, эти арочки стали уже, чем в Успенском соборе, колонки чаще и потому ещё более напоминают бахрому на дорогом покрывале). И наконец, церковь венчает полукружие главы, которая раньше была шлемовидной, а сейчас напоминает луковицу.
Красив резной убор церкви. В центре каждого фасада (кроме восточного), наверху, в поле закомары, находится рельефная фигура знаменитого библейского царя Давида-псалмопевца. Царь Давид играет на лире, а слушают его львы, птицы и грифоны. Птица — древний символ
 человеческой души, а лев — символ Христа.  Последнее толкование связывало льва с идеей княжеской власти: ведь земные правители считались наместниками Бога на земле. Купол церкви — это небо, простёртое над землёй; небесный свод утверждался на львах, как на власти утверждается порядок земного мира.

Под львами и птицами в кладку вставлены загадочные маски: юные лики с огромными очами и распущенными волосами. Некоторые учёные связывали их с образом Богоматери до Её обручения с Иосифом, когда Пресвятая Дева ещё не покрывала головы. Однако скорее всего маски изображают ангелов, явившихся послушать Давида и прославить Богородицу. Изображения Девы Марии в резьбе храма нет, но весь облик церкви, такой стройной и изысканной, напоминает Её образ, запечатлённый церковным писателем Епифанием, особо отмечавшим тонкость Её рук и перстов. Вообще говоря, любую церковь можно уподобить Богоматери, поскольку Мария в церковной традиции символизирует Церковь Земную. В храме Покрова на Нерли это умозрительное положение стало наглядным.

 /Аванта. Энциклопедия для детей. Искусство/

четверг, 5 сентября 2013 г.

Замок Нойшванштайн


   Замок Нойшванштайн. 1869—1886 гг. Бавария.

Король Баварии Людвиг II Биттельсбах (1864—1886 гг.) унаследовал от своих предков страстную любовь к искусству. По его распоряжению был построен ряд загородных резиденций, каждая из которых — своеобразное воплощение фантазий короля. Так, Нойшванштайн воспроизводит романтический мир Средневековья, каким он предстаёт в оперных спектаклях. Замок построил придворный архитектор Георг фон Дольман (1830—1895) по эскизам художника Христиана Янка (1833—1888). Янк оформлял постановки оперы Рихарда Вагнера «Тангейзер», которую очень любил король. В Нойшванштайне использованы формы романской архитектуры, однако его скорее хочется назвать ожившей декорацией. Замок стоит в живописной местности горной Баварии между двумя озёрами. Броская красота островерхих башен и стен из ослепительно белого камня и красного кирпича оттеняется яркой синевой озёрной воды и зеленью соснового леса. Интерьеры замка, среди которых выделяются Тронный и Певческий залы, украшены росписями на сюжеты из вагнеровских опер.